Der schöne Betrug: Warum du dem Buchmarkt misstrauen musst

Wie der Literaturmarkt funktioniert

Evolution des Schreibens

Wer heute schreibt, tut dies in einer Optimierungsmatrix. Wir tippen in flache Bildschirme, kopieren Absätze mit zwei Tastenschlägen hin und her, löschen ganze Gedankenwelten im Millisekundentakt und richten uns die Schriftgröße so ein, dass sich das Auge nicht anstrengen muss. Es ist eine barrierefreie Evolution der Texterstellung. Doch in dieser reibungslosen Bequemlichkeit lauert eine subtile Gefahr: die Amputation der eigentümlichen Schreibstimme.

Bild: Pixabay

Wenn heute über die Digitalisierung des Schreibens gesprochen wird, taucht unweigerlich das Versprechen der Künstlichen Intelligenz als Heilsbringerin auf. Angeblich ersetzt der Algorithmus das Lektorat, glättet die Syntax und optimiert den Fluss. Die Realität ist jedoch ein ästhetischer Offenbarungseid. Eine KI kann keinen echten Logikfehler aufdecken. Ihr fehlt das Bewusstsein für die Komposition eines größeren Werkes, wie z. B. eines epischen Romans – das Gespür für jene feinen, unsichtbaren Fäden, die eine Szene im Innersten zusammenhalten. Stattdessen „verschlimm-bessert“ sie, was ihr fremd ist. Sie erodiert das Eigentümliche einer authentischen Stimme, glättet stilistische Eigenwilligkeiten zu einem fahlen Brei und tilgt Neologismen im vorauseilenden Gehorsam ihrer statistischen Wahrscheinlichkeiten. Was sie nicht kennt, existiert für sie nicht. Sie ist der Zensor der Originalität, verkleidet als nützlicher Assistent.

Gegenüber diesem technologischen Weichzeichner wirkt der Blick in die Geschichte wie eine Ernüchterung. Friedrich Schiller und Johann Wolfgang von Goethe schrieben ihre Meisterwerke mit der Hand – Feder, Tinte, Papier. Jede Korrektur war ein physischer Akt des Zerstörens und Neuaufbaus. Im Jahr 1874 betrat schließlich die erste mechanische Schreibmaschine den Markt. Es entbehrt nicht einer gewissen Ironie, dass dieses Gerät ausgerechnet von der US-Waffenfirma „Remington“ hergestellt wurde.

Die Mechanisierung des Wortes begann mit dem Werkzeug eines Waffenproduzenten.

Das Einspannen des Blattes, der Anschlag der Typenhebel, der mechanische Zwang, Zeile für Zeile dem Papier abzuringen – all das war ein physischer Kampf. Das Überarbeiten war ein schmerzhafter, aufwendiger Prozess, der jede Beliebigkeit im Keim erstickte. Wer damals ein Wort änderte, musste die Konsequenzen tragen. Heute hingegen verleitet die Leichtigkeit des digitalen Löschens zu einer gewissen Eile. Wir schreiben schneller, als wir denken können, und wundern uns, dass die Tiefe dabei auf der Strecke bleibt.

Obsession gegen das literarische Fast-Food

Unter welchen Umständen entsteht etwas, das wirklich gelingt? Etwas, das die Zeit überdauert und sich weigert, im Mahlwerk der Vergesslichkeit zu verschwinden? Um das zu begreifen, müssen wir das Territorium der reinen Produktion verlassen und die Sphäre der Obsession betreten. Echtes Gelingen ist niemals das Produkt von Effizienz. Es ist das Resultat einer besinnlichen Langsamkeit.

Der König von Assur

Zwei Werke aus meiner eigenen Leserbiographie verdeutlichen diesen Kontrast zur heutigen Fast-Food-Literatur par excellence. Da ist zum einen Jutta Ahrens’ Monumentalwerk Der König von Assur aus dem Jahr 1993. Ein Buch, das lange Zeit als Geheimtipp für jene galt, die den literarischen, bzw. belletristischen Einheitsbrei satt hatten. Ahrens pfiff auf Konventionen und die seichten Erwartungshaltungen eines massenkompatiblen Marktes. Sie tat etwas Extremes: Sie nahm Assarhaddon, den grausamen Priester, und vermenschlichte das historische „Monster“. Die Wandlung vom Saulus zum Paulus gelingt in einer eigenwilligen, aber majestätischen Sprache, eingebettet in expliziter (homosexueller) Erotik und religiösem Sadismus. Ahrens besaß eine Eigenschaft, die dem modernen Literaturbetrieb fast vollständig abhandengekommen ist: Mut. Sie deutete nichts an, sie schrieb es. Und es war phänomenal.

Mondfeuer

Zum anderen steht da Donna Gillespies Meisterwerk Mondfeuer von 1994. Ein historischer Roman, in dem das germanische Stammesdenken und die raue Naturmystik auf die eiskalte, militaristische Maschinerie des Römischen Reiches prallen. Gillespie musste sich mit Henryk Sienkiewiczs Klassiker Quo Vadis messen und hat das Genre nicht nur bedient, sondern auf eine spirituelle und philosophische Höhe gehoben, an der sich jeder historische Roman seither messen lassen muss. Wie gelang es? Die Antwort ist einfach: Gillespie arbeitete fünfzehn Jahre lang an diesem einen Buch.

Fünfzehn Jahre. Wer so lange an einem Werk arbeitet, folgt einer inneren Motivation, keinem Markt, keiner ökonomischen Kalkulation und keinem schnellen Ruhm. In dieser Zeit erschuf sie kein bloßes historisches Dekor, sondern ein vollständiges sensorisches Universum. Landschaft, Rituale, Gerüche und Geräusche sind so präzise und sinnlich verwoben, dass man die feuchte Erde der germanischen Wälder buchstäblich riechen kann. Gillespie schrieb szenisch, aus einer zeitlosen inneren Vision heraus. Wenn ein Mensch derart viel Lebenszeit in ein einziges Werk investiert, dann tut er das nicht für den schnellen Applaus. Er tut es wie ein Künstler. Es ist ein langsames, gründliches und souveränes Schreiben, das die blasse, gehetzte Gegenwartsliteratur augenblicklich demaskiert.

Wie Verlage Weltliteratur entwerten und Autorinnen ins Exil zwingen

Die Geschichte der Literatur ist auch eine Geschichte des systematischen Raubbaus an weiblicher Schöpferkraft. Die Strukturen der Matrix – in diesem Fall repräsentiert durch Verlage, Verträge und das patriarchale Diktat des Marktes – haben über Jahrhunderte hinweg systematisch versucht, die Souveränität schreibender Frauen zu brechen, ihr Werk zu entwerten oder es ökonomisch auszubeuten.

Besonders deutlich wird dies an der Biographie von Anne Golon und ihrer legendären Angélique-Reihe, an der sie insgesamt 29 Jahre ihres Lebens schrieb. Oberflächlich betrachtet als historische Belletristik abgetan, ist dieses Werk heute als ernstzunehmende Literatur rehabilitiert. Es ist mehr als ein bloßer Abenteuerroman; es ist eine tiefschürfende historische und sozialkritische Analyse des Frankreichs des 17. Jahrhunderts. Angélique teilt mit Daniel Defoes Moll Flanders das kompromisslose Autonomiebestreben in einem brutal-patriarchalischen Milieu. Doch während Defoe aus der Epoche der Aufklärung heraus schrieb, projizierte Anne Golon (eigentlich Simone Changeux) ihre Heldin mitten in diese Epoche hinein.

Obwohl die Reihe ein gigantischer Welterfolg war, der dem Verlag bis heute schätzungsweise eine Milliarde Euro einbrachte, lebte Anne Golon jahrzehntelang am Existenzminimum. Der Verlag sicherte sich über knebelnde Verträge alle Rechte und beutete die junge Autorin schamlos aus. Um dem Werk mehr „Autorität“ zu verleihen, wurde es in den fünfziger Jahren unter dem Namen ihres Mannes, Serge Golon, veröffentlicht – als ob eine Frau nicht fähig wäre, eine solche historische Komplexität zu durchdringen. Das ist exakt dasselbe Muster, das wir bei Jane Austen beobachten können, deren Bücher anonym unter dem Kürzel „by a lady“ erschienen und die erst nach ihrem Tod Wohlstand für ihre Familie generierten, während sie selbst in Armut starb. Oder bei Emily Brontë, deren monumentaler Roman Sturmhöhe vom damaligen Establishment schlicht ignoriert und abgewertet wurde.

Anne Golon jedoch weigerte sich, ein Opfer zu bleiben. Sie führte von 1960 bis 2006 einen beispiellosen, fast fünfzigjährigen Rechtsstreit gegen den Verlagsriesen Hachette. Erst 2006 erstritt sie sich mit Hilfe des französischen Kulturministeriums die Kontrolle über ihr Lebenswerk zurück. Was sie in den Jahren bis zu ihrem Tod 2017 tat, zeigt die tiefe Integrität einer wahren Künstlerin: Sie überarbeitete alle Bände, um den Urkontext wiederherzustellen. Der Verlag hatte eigenmächtig Passagen gekürzt, verfälscht und jene Szenen gestrichen, die eine zu autonome, sexuell und intellektuell selbstbestimmte Angélique zeigten. Anne Golon wusste von Anfang an genau, was sie schrieb und warum sie es schrieb. Sie brauchte keine wohlgemeinte „Hilfe“ von Lektoren, die nur die Zähmung ihrer Stimme im Sinn hatten.

Wie der Literaturmarkt funktioniert: Die Eitelkeit des Feuilletons

Die Diskreditierung und Abwertung weiblicher Werke als bloße „U-Literatur“ oder Trivalliteratur zieht sich bis in die heutige Zeit. Banal gesprochen: Ein Mann schreibt drei Monate, gilt als Neuentdeckung und literarische Sensation. Eine Frau schreibt zwanzig Jahre und ihr Werk gilt als gut gemeinte Stilübung. Man muss sich im modernen Buchhandel umsehen, um zu erkennen, wie lebendig dieses Bewertungsschema nach wie vor ist.

Ein Mann schreibt z. B. einen historischen Kriminalroman. Das Werk mag trocken sein, hölzern und ohne jede atmosphärische Tiefe, doch es wird augenblicklich als „literarisch wertvoll“ gehandelt. Die Feuilletons überschlagen sich mit Lob, die großen Verlage wie Diogenes oder Suhrkamp werfen ihre Marketingmaschinerie an, schicken den Autor auf exklusive Lesereisen und überhäufen ihn mit Preisen. Man kauft das Buch voller Erwartung – und fühlt nach den ersten Seiten nichts. Da ist keine Seele, kein Leben, kein Respekt vor dem Leser. Stattdessen stößt man auf die unerträgliche Eitelkeit moderner Literaten, die sich seitenlang in formal-technischen Spielereien ergehen. Sie brechen lyrische Prosa, experimentieren mit Interpunktion und produzieren Texte, die nur mehr noch von einer Handvoll Germanisten genossen und in elitären Literaturmagazinen gelobt werden. Es ist das Triumphgeheul der Form über den Inhalt, eine intellektuelle Protzgebärde, die die absolute Abwesenheit von Menschenkenntnis, Beschreibungsvermögen und echtem Einfühlungsvermögen kaschieren soll.

Als konkretes Beispiel empfinde ich die gelobten Klassischen Sagen des Altertums von Michael Köhlmeier als erzähltechnisch und qualitativ enttäuschend. Christa Wolfs Kassandra mag inhaltlich wichtig sein, doch die Lektüre macht lesetechnisch so viel Spaß wie eine unreife Banane. Anna Mitgutschs Die Züchtigung ist ein soziologisch und historisch bedeutsames Werk für den oberösterreichischen Raum, doch stilistisch bleibt es hinter seinen Möglichkeiten zurück. Und Sybille Berg? Zweifellos brillant in ihrer Diktion, ein wahres Feuerwerk an kurzen, knallenden Sätzen, die wie Peitschenhiebe wirken. Aber bitte nicht auf 700 Seiten. Nach der zehnten Seite verpufft der Schockeffekt, und was bleibt, ist eine klopapierlange, ermüdende Aneinanderreihung von bitteren Wahrheiten im Pop-Stil.

Hermann Hesse zum Beispiel ist ein gern gelesener Literat. Den Literaturnobelpreis bekam er 1946. Persönlich empfand ich seine Werke als zu blutarm, ein permanentes, passives Dahinleiden in jedem Buch, eine Beschreibung des Status Quo ohne Handlungsempfehlung. Keine Originalität.
Nach dem Krieg suchte das Komitee nach einem Preisträger, der brav war im Sinne von nicht aggressiv. Hermann Hesse war zwar nicht feige, er stellte sich zeitlebens gegen den Nationalsozialismus, er sollte aber auch nicht (zu) radikal sein. So fungierte er als Vorbild für den Nachkriegsdeutschen: friedlich, passiv, introspektiv. Männlich amputiert.

Aus diesem Grund müssen wir alles, was uns heute von den Wächtern des Kulturbetriebs als „hochrangige Literatur“ verkauft wird, radikaler prüfen denn je. Wir dürfen uns nicht von großen Verlagsnamen, akademischen Titeln oder feuilletonistischem Applaus blenden lassen. Am Ende haben wir nichts anderes als unser eigenes Maß, unsere eigene Intelligenz und unsere eigene unbestechliche Wahrnehmung, um Spreu von Weizen zu trennen.

Das Recht auf den ungezähmten Raum

Für mich persönlich bringt diese Erkenntnis eine Konsequenz: Ich verweigere mich bewusst dem Versuch, einen künstlichen, akademisch gefälligen „literarischen“ Stil zu imitieren. Mein Anspruch ist es, meiner eigenen Stimme treu zu bleiben und die Lebenszeit meiner Leser nicht zu vergeuden.

Um den Bogen zu schließen: Mein bisheriger Glaube, dass Autorinnen wie Anne Golon oder Donna Gillespie ihre monumentalen Werke in einem einzigen, genialen Guss herabgeschrieben hätten, war ein Irrtum. Sie schrieben wie Marathonläufer. Langsam, bewusst, mit unzähligen Entwürfen und einer minutiösen Überarbeitung jedes einzelnen Kapitels auf Logik, Stil und historische Konsistenz. Die Überarbeitung selbst verbrauchte mindestens fünfzig Prozent des gesamten Schreib- und Schöpfungsprozesses.

Ein Werk, das reich werden soll, darf keinem Produktivitätszwang, keiner Eile und keinem fremden Diktat unterliegen. Es braucht Raum.

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